Eyes On The Horizon
- Perspectival Shift
Sputniko!, Menstrualverse, 2022
【Exhibition Info】
Schedule: 8th (Sat) - 16th (Sun) April, 2023
Venue: BUoY, 49-11, Senju-Nakacho, Adachi-ku, Tokyo
Hours: 13:00-19:00
Closed: Mondays
Admission Fee: ¥500
In cooperation with: Mouri Lab, GA Department, Tokyo University of the Arts
Supported by: The Daiwa Foundation
Curators: Catherine Harrington, Petra Szemán
Artists: gnomad, Jamie Janković, Shinji Kamijo, Mei Kashiwayama, Emily Mulenga, Sputniko!, Petra Szemán, Moka Takeda, Christian Wright
【Statement】
A view of the horizon through a train window is never a static image. As you move with the train, trees and buildings slide in and out of the frame; and sometimes the train dives into a tunnel flashing and flickering with light beyond the window glass. The horizon may seem like a fixed point, yet it is perpetually fragmented, interpreted and re-interpreted by the viewer and their position. By moving through present time and space, the horizon shifts; continually expanding to include new realms of possibility. Glancing towards the horizon then, is a future-facing action that in turn possesses worldmaking powers.
In his 2009 book “The Anime Machine”, Thomas Lamarre considers how trains can reproduce the animation-viewing experience; that is, the sort of animated image that is produced in the gaps between the speeds enabled by railway travel and the limited ability of the human perceptual system. (Endnote 1) Paraphrasing Norman McLaren, the core kinetics of animation take place not in the content of the frames, but rather in the spaces as one frame flips to the next. In this way, animation-by-train creates a different, fragmented way of seeing. Animation scholar Deborah Levitt calls particular attention to such fractured and discordant viewing experiences, and rather than concealing them she urges us to enhance them, as it is in “the hinges or gaps between microworlds and identities that allow us to see and attend to virtuality as well as to create new worlds”. (Endnote 2)
“Eyes On The Horizon” brings together the works of artists who seek out different, fragmented worlds, whether it is the interpersonal worlds of fandom, spaces of queer communality, or virtual realms. In this quest, the artists persist in looking forwards, never quite settling. This final exhibition in the series features the artists: Jamie Janković, Shinji Kamijo, Mei Kashiwayama, Emily Mulenga, Sputniko, Petra Szemán, Moka Takeda, and Christian Wright.
Sputniko!’s work “Menstrualverse”, enters into virtual spaces to ask how gender is performed by avatars, and who should design virtual worlds and what the bodies within them are capable of. Offering a Menstruation Machine as a wearable in digital space, the work presents questions about what it might mean to acquire the ability to perform menstruation as a digital avatar, or conversely, what it might mean for the Metaverse and other virtual domains to be places where menstruation and other biological and identity-based rituals are censored.
Both Emily Mulenga and Christian Wright’s video works tread between the overlapping worlds of contemporary art, animation, fandom and avatars. Mulenga’s film “Main Character” follows ‘Bunny’ as the end of a relationship slingshots her into reflections on the nature of being and of reality, with the film itself flipping between 3D visuals, 2D animation and live action footage. Filmed within the video game Dark Souls III (2016), Wright’s epic “Body Language” also fixes on a relationship; this time between two online players and how they communicate using the shonky limitations of game design and gameplay.
Made in 3D virtual space during the pandemic lockdown in 2020, Moka Takeda’s work “What is a Landscape?” interrogates the idea of landscape itself, and asks if any landscape we see can ever really be “seen”, or if we are only recalling our own memories of a landscape.
Meanwhile, Shinji Kamijo’s work attempts to narrate the landscape of the ‘other’ and others’ time, by re-creating his own gaze into the rooms of a building across the street; imagining the life stories of the people he sees within that ‘rear window’ view.
Mei Kashiwayama’s paintings narrate queer and non-binary figures in a landscape. Queerness for José Esteban Muñoz is a “horizon of being” (Endnote3) that can be glimpsed in utopian bonds, affiliations, designs, and gestures that exist within the present and with a kind of “forward-dawning futurity” (Endnote 4). We can sense these bonds and glance to futurity in the gentle resistance and persistence of Kashiwayama’s work.
Moving towards other, queer horizons in game-space, Jamie Janković’s work “A Woman on the Internet (or, The Eternal Scream)” is a journey into how queer/trans players and travellers in games can find both limitation and freedom; while Petra Szemán’s interactive game “The shape of worlds to come” interrogates ways in which genderqueer/trans* desire might offer as yet-undefined future spaces of being. Composing a world through gesture and story-telling, gnomad’s compelling performance practice builds on similar themes to find liberation in alternate horizons of being.
Translation: Yume Morimoto
Endnotes:
Thomas Lamarre, The Anime Machine, pxiii
Deborah Levitt, The Animatic Apparatus, p.123
Drawing on Husserl.
José Esteban Muñoz, Cruising Utopia, p23
地平線に目を向ける
ー視点の変化
ジェイミー・ヤンコヴィッチ、
『A Woman on the Internet (or, The Eternal Scream)』
【展覧会概要】
会期：2023年4月8日(土) - 4月16日(日)
会場：BUoY、〒120-0036 東京都足立区千住仲町49-11
開場時間：13：00 - 19：00
閉場日：月
入場料：¥500
助成：大和基金
協力：東京藝術大学毛利嘉孝研究室
キュレーション：キャサリン・ハリントン、セーマン・ペトラ
アーティスト：ノマド、ジェイミー・ヤンコヴィッチ、上條信志、柏山芽衣、エミリー・ムレンガ、スプツニ子！、セーマン・ペトラ、武田萌花、クリスチャン・ライト
【ステートメント】
車窓から眺める地平線は決して不変的なものではない。列車に揺られながら視界の中を木々や建物が行き来し、トンネルに入れば窓ガラスの向こうで光が明滅する。地平線とは静止したものに見えるかもしれないが、実は絶え間なく断片化され、見る人とその位置によって解釈され、再構築される。現在の時間と空間を移動しながら地平線は移りゆく。そして新たな可能性を次々と取り込みながら広がり続ける。したがって、地平線に目を向けるということは未来を見据える行為であり、その行為には世界を創造する力が宿る。
トーマス・ラマールは2009年の著書『アニメ・マシーン』の中で、列車に乗ることによってアニメーションの鑑賞体験——列車が動く速度と人間の知覚能力の限界の狭間に生じるアニメーションのようなもの——がいかに再現されるかを考察している（＊１）。ノーマン・マクラレンによると、アニメーションの核となる動力は、コマごとに描かれる内容ではなく、コマからコマへと移り替わる際の狭間で起こっているという。このように、列車を乗ることによって生み出されるアニメーションは、私たちに新たな断片化された視点をもたらすのである。アニメーション研究者のデボラ・レヴィットは、このような分裂した不協和な鑑賞体験に関心を持つよう呼びかけ、それを隠すのではなく、むしろ拡張させるよう促している。なぜなら「ミクロの世界やアイデンティティーの狭間にあるつなぎ目や隙間こそが、私たちが仮想性を理解し、関心をよせ、新しい世界を創造することを可能にする」からである（＊２）。
『地平線に目を向ける』では、ファンが集う世界、クィアな共同空間、あるいは仮想空間など、異なる断片的な世界を探し求めるアーティストたちの作品を集めた。それぞれの探求において、アーティストたちは決して一つの点に落ち着くことなく、常に先を見据えている。
スプツニ子！の作品《Menstrualverse》では、仮想空間に入り込み、アバターによってジェンダーがどのように演じられるのか、誰が仮想世界をデザインするのか、そこに存在する身体は何ができるのか／どういう能力を持つのかを問いかける。デジタル空間において装着可能な「生理マシーン」が提供されるこの作品では、デジタルアバターが生理になることが何を意味するのか、あるいは逆に、メタバースやその他の仮想領域が、生理やその他の生物学的およびアイデンティティに基づく習慣的行為が検閲される場所になるということが何を意味するのか、という問いを提示する。
エミリー・ムレンガとクリスチャン・ライトの映像作品は、現代アート、アニメーション、アニメファンの世界、アバターといった重なり合う世界の間を行き来する。ムレンガの作品《Main Character》では、3D映像、2Dアニメーション、実写映像の間を行き来しながら、恋愛の終わりをきっかけに存在と現実の本質について考えるようになる「Bunny」を追う。テレビゲーム『Dark Souls III』（2016）内で撮影されたライトの大作《Body Language》もまた関係性に焦点を当てたもので、二人のオンラインプレイヤーが、粗悪なゲームデザインとゲームプレイといった制限の中でどのようにコミュニケーションを図るかを描く。
武田萌花の作品は、「風景」という概念そのものを問い直し、私たちが見る風景は本当に「見られる」ことができるものなのか、それとも私たちは風景を、関連する記憶や思い出を呼び起こしながら眺めていだけに過ぎないのか、といったことを問いかける。
一方、上條信志の作品は、向かいのビルの部屋を見つめる自分の視線を再現し、その「裏窓」から見える人々の人生の物語を想像することで、「他者」のランドスケープと人生について語ろうとする試みである。
ホセ・エステバン＝ムニョスにとってクィア性とは、現在に存在するユートピア的な絆やつながり、デザイン、ジェスチャーに垣間見える「存在の地平線（horizon of being）」（＊３）として作用し、ある種の「前途洋々たる未来（forward-dawning futurity）」（＊４）とともに存在するものである。自然の風景の中にクィアやノンバイナリーの人物を描く柏山芽衣の作品の中では、穏やかな抵抗と粘り強さからこうした絆や未来への視線を感じ取ることができる。
ジェイミー・ヤンコヴィッチとセマーン・ペトラの両作品では、ゲーム空間やアニメーションの領域に入り込む。ヤンコヴィッチの作品『A Woman on the Internet (or, The Eternal Scream)』は、ゲーム内のクィア／トランスのプレイヤーや移動する者がどのように解放を見出せるかを探求する旅である。
一方、セマーンのインタラクティブ・ゲーム『来たるセカイの形』では、ジェンダークィア／トランス*の欲望が、まだ定義されていない未来の在り方と空間をどのように提示できるかを探る。クィア・アイデンティティーに内在する抵抗に着想を得ているノマドによるパフォーマンスとインスタレーションは、クィアな体験の中に解放の場を見出す。
翻訳: 森本優芽
引用文献：
（＊１）トーマス・ラマール『ザ・アニメ・マシーン』、13ページ（日本語訳は藤木秀朗監訳,大崎晴美訳『アニメ・マシーン : グローバル・メディアとしての日本アニメーション』を参照）
（＊２）デボラ・レヴィット『ザ・アニマティック・アパラティス』、123ページ
（＊３）フッサールを引用
（＊４）ホセ・エステバン＝ムニョス『クルージング・ユートピア』、23ページ
Eyes on the Horizon
地平線に目を向ける
【展覧会概要】
会期：2023年3月10日(金) - 3月19日(日)
会場：The 5th Floor 〒110-0008 東京都台東区池之端3-3-9 花園アレイ5F
開場時間：13：00 - 19：00
閉場日：火、水
アクセス：東京都メトロ 千代田線 根津駅 2番出口 徒歩4分
入場料：¥500
主催：The 5th Floor
助成：大和基金
協力：東京藝術大学毛利嘉孝研究室
The 5th Floor 賛助：D/C/F/A
キュレーション：セーマン・ペトラ、キャサリン・ハリントン
アーティスト：デビッド·ブランディ、賀口舟梧、柏山芽衣、ジャン・レモニエ、ノマド、セーマン・ペトラ、武田萌花
お問い合わせ：The 5th Floor / info@the5thfloor.org
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【ステートメント】
車窓から眺める地平線は決して不変的なものではない。列車に揺られながら視界の中を木々や建物が行き来し、トンネルに入れば窓ガラスの向こうで光が明滅する。地平線とは静止したものに見えるかもしれないが、実は絶え間なく断片化され、見る人とその位置によって解釈され、再構築される。現在の時間と空間を移動しながら地平線は移りゆく。そして新たな可能性を次々と取り込みながら広がり続ける。したがって、地平線に目を向けるということは未来を見据える行為であり、その行為には世界を創造する力が宿る。
トーマス・ラマールは2009年の著書『アニメ・マシーン』の中で、列車に乗ることによってアニメーションの鑑賞体験——列車が動く速度と人間の知覚能力の限界の狭間に生じるアニメーションのようなもの——がいかに再現されるかを考察している（＊１）。ノーマン・マクラレンによると、アニメーションの核となる動力は、コマごとに描かれる内容ではなく、コマからコマへと移り替わる際の狭間で起こっているという。このように、列車を乗ることによって生み出されるアニメーションは、私たちに新たな断片化された視点をもたらすのである。アニメーション研究者のデボラ・レヴィットは、このような分裂した不協和な鑑賞体験に関心を持つよう呼びかけ、それを隠すのではなく、むしろ拡張させるよう促している。なぜなら「ミクロの世界やアイデンティティーの狭間にあるつなぎ目や隙間こそが、私たちが仮想性を理解し、関心をよせ、新しい世界を創造することを可能にする」からである（＊２）。
『地平線に目を向ける』では、ファンが集う世界、クィアな共同空間、あるいは仮想空間など、異なる断片的な世界を探し求めるアーティストたちの作品を集めた。それぞれの探求において、アーティストたちは決して一つの点に落ち着くことなく、常に先を見据えている。
セマーン・ペトラの《Opening !!!》は、アニメのクレジットタイトルやテレビゲームのロード画面、ローカル列車の旅などという小さな狭間のような空間に入り込み、アニメーションのコマとコマの間に横たわる隙間を強調する。空に向かって手を伸ばすというモチーフを繰り返し織り込んだこの作品は、常に移り変わる世界を見続けたいという願望を表している。
デビッド・ブランディの《アンドロイド・ドリーム》は、作家自身の声のアルゴリズムによる模倣を含めた複数のシミュラークルで構成される。この映像作品では、行ったことのない場所の記憶、プレイしたことのないゲームの記憶など、ハイブリッド／サイボーグの立場から人間性を考察している。美学的な形式を破壊することで映像自体も崩壊し、逆再生になっていく。そしてその断片から新しい世界が構成される可能性を示唆する。
ジャン・レモニエの映像作品は、夜の街並みを走る列車の旅と内省的なナラティブを結びつけ、断片的な記憶や視点、内と外を常にループしながら流動的な地平線に向かって進んでいく様子を描く。
一方、武田萌花の作品は、「風景」という概念そのものを問い直し、私たちが見る風景は本当に「見られる」ことができるものなのか、それとも私たちは風景を、関連する記憶や思い出を呼び起こしながら眺めていだけに過ぎないのか、といったことを問いかける。
賀口舟梧の版画作品《Under the Frill》は、アニメ好きの作家自身が自分のジェンダーやセクシュアリティ、クィア性を認識するきっかけとなったアニメ『おジャ魔女どれみ』をもとに制作された。作家はアニメを観る中で「あいこちゃん」というキャラクターがフリルのついたドレスを着た男の子に思えて、「男の子も魔法少女になれるんだ」と感じた。
ホセ・エステバン＝ムニョスにとってクィア性とは、現在に存在するユートピア的な絆やつながり、デザイン、ジェスチャーに垣間見える「存在の地平線（horizon of being）」（＊３）として作用し、ある種の「前途洋々たる未来（forward-dawning futurity）」（＊４）とともに存在するものである。自然の風景の中にクィアやノンバイナリーの人物を描く柏山芽衣の作品の中では、穏やかな抵抗と粘り強さからこうした絆や未来への視線を感じ取ることができる。また、人の心を惹きつけるノマドのパフォーマンスは、同様のテーマを中心に、クィアの原体験が解放の場となる世界を自身のジェスチャーと語りによって創造していく。
引用文献：
（＊１）Thomas Lamarre, The Anime Machine, pxiii
（＊２）Deborah Levitt, The Animatic Apparatus, p.123
（＊３）Drawing on Husserl.
（＊４）José Esteban Muñoz, Cruising Utopia, p23
【イベント/ Events】
パフォーマンス (ノマド）：
3月10日・3月11日（金・土 ~ 両日同時刻）
14時～14時40分 (パフォーマンス)
15時～16時 アーティスト・キュレーター質疑応答
Eyes on the Horizon
地平線に目を向ける
【Exhibition Info】
Schedule: 10th (Fri) - 19th (Sun) March, 2023
Venue: The 5th Floor
5F, Hanazono Alley, 3-3-9 Ikenohata, Taito-ku, Tokyo, 110-0008, Japan
Hours: 13:00-19:00
Closed: Tuesdays, Wednesdays
Admission Fee: ¥500
Organized by: The 5th Floor
In cooperation with: Mouri Lab, GA Department, Tokyo University of the Arts
Supported by: The Daiwa Foundation
Curators: Petra Szemán, Catherine Harrington
Artists: David Blandy, gnomad, Shugo Kaguchi, Mei Kashiwayama, Jean Lemonnier, Petra Szemán, Moka Takeda
Contact: The 5th Floor / info@the5thfloor.org
Statement:
A view of the horizon through a train window is never a static image. As you move with the train, trees and buildings slide in and out of the frame; and sometimes the train dives into a tunnel flashing and flickering with light beyond the window glass. The horizon may seem like a fixed point, yet it is perpetually fragmented, interpreted and re-interpreted by the viewer and their position. By moving through present time and space, the horizon shifts; continually expanding to include new realms of possibility. Glancing towards the horizon then, is a future-facing action that in turn possesses worldmaking powers.
In his 2009 book "The Anime Machine", Thomas Lamarre considers how trains can reproduce the animation-viewing experience; that is, the sort of animated image that is produced in the gaps between the speeds enabled by railway travel and the limited ability of the human perceptual system. (Endnote 1) Paraphrasing Norman McLaren, the core kinetics of animation take place not in the content of the frames, but rather in the spaces as one frame flips to the next. In this way, animation-by-train creates a different, fragmented way of seeing. Animation scholar Deborah Levitt calls particular attention to such fractured and discordant viewing experiences, and rather than concealing them she urges us to enhance them, as it is in “the hinges or gaps between microworlds and identities that allow us to see and attend to virtuality as well as to create new worlds”. (Endnote 2)
"Eyes On The Horizon" brings together the works of artists who seek out different, fragmented worlds, whether it is the interpersonal worlds of fandom, spaces of queer communality, or virtual realms. In this quest, the artists persist in looking forwards, never quite settling.
Inhabiting the interstitial zones of anime credit sequences, video game loading screens and regional train journeys, Petra Szemán’s "Openings !!!" intensifies the gaps that lie between the frames of animated imagery. Woven around a recurring motif of reaching out towards the sky, the work establishes a desire to keep looking toward a world that is constantly in motion.
David Blandy’s "Androids Dream" is formed of multiple simulacra, even deploying an algorithmic mimesis of the artist's own voice. The video considers personhood from a hybrid/cyborg position: memories of places you’ve never been, memories of a game you never played. Breaking down the aesthetic form, the film in turn breaks down, and goes into reverse - suggesting the possibility of new realms to be composed from the fragments.
Jean Lemonnier’s video work links a train journey through a nighttime cityscape with introspective narratives, picking at the fragmented ways memory and perspective function, constantly looping between inside and outside, towards an elusive horizon.
Meanwhile, Moka Takeda’s work interrogates the idea of landscape itself, and asks if any landscape we see can ever really be “seen”, or are we only recalling and viewing our own recollections and memories of a landscape.
Shugo Kaguchi’s printmaking works, “Under the Frill'' emerged out of contact with animation as a fan; specifically of the anime, “Magical DoReiMi” (Oja-majo Doremi), through which he first discovered his gender, sexuality and queerness. While watching the anime, he saw the character Aiko-chan as a boy in a frilly dress, and thought that boys could be magical girls too.
For José Esteban Muñoz, queerness itself can operate as a “horizon of being” (Endnote 3) that can be glimpsed in utopian bonds, affiliations, designs, and gestures that exist within the present and with a kind of “forward-dawning futurity” (Endnote 4). We can sense these bonds and glance to futurity in the gentle resistance and persistence of Mei Kashiwayama’s works, depicting queer and non-binary figures in natural landscapes. gnomad’s compelling performance practice builds on similar themes, composing a world through gesture and story-telling where queer experience becomes a site of liberation.
Endnotes:
Thomas Lamarre, The Anime Machine, pxiii
Deborah Levitt, The Animatic Apparatus, p.123
Drawing on Husserl.
José Esteban Muñoz, Cruising Utopia, p23
Queer Horizons
クィアな地平線
アーティスト：ノマド、ジェイミー・ヤンコヴィッチ、キュンチョメ、セマーン・ペトラ、明日少女隊
キュレーター：キャサリン・ハリントン、セマーン・ペトラ
Artists: gnomad, Jamie Janković, Kyunchome, Petra Szemán, Tomorrow Girls Troop
Curators: Catherine Harrington, Petra Szemán
キュレーター：キャサリン・ハリントン、セマーン・ペトラ
Artists: gnomad, Jamie Janković, Kyunchome, Petra Szemán, Tomorrow Girls Troop
Curators: Catherine Harrington, Petra Szemán
会期: 2月10日～2月16日 (13時～18時半)
休日：月・火
会場：脱衣所 - (a) place to be naked
Dates：Feb 10th - Feb 16th (13:00~18:30)
Holidays：Closed on Monday and Tuesday
Venue: Datsuijo - (a) place to be naked
休日：月・火
会場：脱衣所 - (a) place to be naked
Dates：Feb 10th - Feb 16th (13:00~18:30)
Holidays：Closed on Monday and Tuesday
Venue: Datsuijo - (a) place to be naked
本展について：（英語は下↓ English Below ↓）
本展ではアーティスト達の眼差しを介して様々なクィアな地平線に目を向け、複数のオルタナティブかつ抵抗的な未来を垣間見る。作品はそれぞれ、特定のクィアな体験や存在に触れ、破壊的あるいは不協和な実践や在り方に焦点を当てる。
本展のタイトルは、ホセ・エステバン＝ムニョスによる「存在の地平線（horizon of being）」といったクィア性の定義に由来する。「存在の地平線」とは現在におけるユートピア的な絆、繋がり、デザイン、ジェスチャーを通して未来に視線を向ける不確かな状態である。地平線を見据えるということは「ここ」ではない場所に目を向けるということだ。地平線を求めるということは即ち、クィアな時空間を生み出すために既存の時空間の可能性に着目するということだ。
キュンチョメによる映像作品「声枯れるまで」では、トランスやジェンダークィアの人々にインタビューをし、現代社会において名前を変えるということの複雑さについて考察する。登場人物達は自らつけた「新しい名前」を共に叫ぶ。その新しい名前の叫声は、それぞれが自分自身で創造した新しい地平に向かって届けているかのようだ。
ジェイミー・ヤンコヴィッチとセマーン・ペトラの両作品では、ゲーム空間やアニメーションの領域に入り込む。ヤンコヴィッチの作品『A Woman on the Internet (or, The Eternal Scream)』は、ゲーム内のクィア／トランスのプレイヤーや移動する者がどのように解放を見出せるかを探求する旅である。
一方、セマーンのインタラクティブ・ゲーム『来たるセカイの形』では、ジェンダークィア／トランス*の欲望が、まだ定義されていない未来の在り方と空間をどのように提示できるかを探る。クィア・アイデンティティーに内在する抵抗に着想を得ているノマドによるパフォーマンスとインスタレーションは、クィアな体験の中に解放の場を見出す。
明日少女隊のアーティスト・フィルム「男女二元論を超えて」は女性用と男性用の山道がある日本の山でのパフォーマンスを記録したものだ。トランスジェンダー・ノンバイナリー当事者のつくる・フォルスさんと共に、明日少女隊はどちらの道も選ばず、岩やシダ、生い茂る薮の中を歩き、「男坂」と「女坂」の間にある道を切り開く。この行為は抵抗の意志を表している。男女二元論を押し付けるこの社会に疑問を持ち、生き残るため、そして未来を形作るために、新しい道を自ら生み出す姿を、パフォーマンスで表現する。
本展の作品群は、様々な異なる視点から「クィアな地平線」といったテーマに取り組んでいる。しかしそれらすべての作品は、オルタナティブな在り方を記録し、掘り下げようとする点で一致している。また、アーティストたちはまだ実現していないよりクィアなリアリティに焦点を当てている。
現在における想像と希望によって、既成の在り方ではない未来に目を向けた新しい世界と生き方を創造することが可能なのだ。
About the Exhibition:
In this exhibition we look through artists’ eyes onto multiple horizons and towards alternate, resistant and queer futures. The works in the show touch on specific queer experiences and queer modes of perception and experience, particularly leaning towards disruptive or dissonant practices and ways of being.
The title of the exhibition draws on José Esteban Muñoz’s definition of queerness as a “horizon of being”, an elusive and future-facing state that can be glimpsed through the utopian bonds, affiliations, designs and gestures that exist within the present. To face the horizon is to face a place and position that is not here - and to seek the horizon is to focus on the capacity of the “here and now” for producing a different, queerer “there and then”.
本展ではアーティスト達の眼差しを介して様々なクィアな地平線に目を向け、複数のオルタナティブかつ抵抗的な未来を垣間見る。作品はそれぞれ、特定のクィアな体験や存在に触れ、破壊的あるいは不協和な実践や在り方に焦点を当てる。
本展のタイトルは、ホセ・エステバン＝ムニョスによる「存在の地平線（horizon of being）」といったクィア性の定義に由来する。「存在の地平線」とは現在におけるユートピア的な絆、繋がり、デザイン、ジェスチャーを通して未来に視線を向ける不確かな状態である。地平線を見据えるということは「ここ」ではない場所に目を向けるということだ。地平線を求めるということは即ち、クィアな時空間を生み出すために既存の時空間の可能性に着目するということだ。
キュンチョメによる映像作品「声枯れるまで」では、トランスやジェンダークィアの人々にインタビューをし、現代社会において名前を変えるということの複雑さについて考察する。登場人物達は自らつけた「新しい名前」を共に叫ぶ。その新しい名前の叫声は、それぞれが自分自身で創造した新しい地平に向かって届けているかのようだ。
ジェイミー・ヤンコヴィッチとセマーン・ペトラの両作品では、ゲーム空間やアニメーションの領域に入り込む。ヤンコヴィッチの作品『A Woman on the Internet (or, The Eternal Scream)』は、ゲーム内のクィア／トランスのプレイヤーや移動する者がどのように解放を見出せるかを探求する旅である。
一方、セマーンのインタラクティブ・ゲーム『来たるセカイの形』では、ジェンダークィア／トランス*の欲望が、まだ定義されていない未来の在り方と空間をどのように提示できるかを探る。クィア・アイデンティティーに内在する抵抗に着想を得ているノマドによるパフォーマンスとインスタレーションは、クィアな体験の中に解放の場を見出す。
明日少女隊のアーティスト・フィルム「男女二元論を超えて」は女性用と男性用の山道がある日本の山でのパフォーマンスを記録したものだ。トランスジェンダー・ノンバイナリー当事者のつくる・フォルスさんと共に、明日少女隊はどちらの道も選ばず、岩やシダ、生い茂る薮の中を歩き、「男坂」と「女坂」の間にある道を切り開く。この行為は抵抗の意志を表している。男女二元論を押し付けるこの社会に疑問を持ち、生き残るため、そして未来を形作るために、新しい道を自ら生み出す姿を、パフォーマンスで表現する。
本展の作品群は、様々な異なる視点から「クィアな地平線」といったテーマに取り組んでいる。しかしそれらすべての作品は、オルタナティブな在り方を記録し、掘り下げようとする点で一致している。また、アーティストたちはまだ実現していないよりクィアなリアリティに焦点を当てている。
現在における想像と希望によって、既成の在り方ではない未来に目を向けた新しい世界と生き方を創造することが可能なのだ。
About the Exhibition:
In this exhibition we look through artists’ eyes onto multiple horizons and towards alternate, resistant and queer futures. The works in the show touch on specific queer experiences and queer modes of perception and experience, particularly leaning towards disruptive or dissonant practices and ways of being.
The title of the exhibition draws on José Esteban Muñoz’s definition of queerness as a “horizon of being”, an elusive and future-facing state that can be glimpsed through the utopian bonds, affiliations, designs and gestures that exist within the present. To face the horizon is to face a place and position that is not here - and to seek the horizon is to focus on the capacity of the “here and now” for producing a different, queerer “there and then”.
In Kyunchome’s video work “Until My Voice Dies”, the artist group meet and interview trans or genderqueer individuals before shouting the new names they have given themselves together. While carefully reflecting on the complexities of changing name in contemporary society, the shouting of the individuals self-given names seems to scream out to a new horizon of being that the individuals have created for themselves.
In both Jamie Janković and Petra Szemán’s work, we enter into game-spaces and animated realms. In Janković’s work “A Woman on the Internet (or, The Eternal Scream)” this is a journey into how queer/trans players and travellers in games can find liberation; while Szemán’s interactive game The shape of worlds to come explores ways in which genderqueer/trans* desire might offer as yet-undefined future spaces of being. Drawing energy from the resistance inherent within queer identities, gnomad’s performance and installation for “Queer Horizons” finds within queer experience a site of liberation.
Tomorrow Girls Troop’s artist film in this show “Beyond Binary” documents a recorded performance where they travel to a mountain shrine in Japan that has an “Onna-zaka” (women’s path) and an “Otoko-zaka” (men’s path). Together with Tsukuru Fors, a transgender and nonbinary participant, they choose to take neither path and instead walk through the rocks, ferns and dense undergrowth to carve out a middle path between the men’s and women’s paths. This act of resistance poses questions to a society that continues to impose a gender binary and instead offers a vision for alternate ways for us to survive and shape our own futures in society today.
The works in Queer Horizons approach the subject from many differing perspectives, but in our view are all united in their desire to document and dissect alternative ways of being, the artists fixing their gaze on queerer realities that have not yet come to be. Through imagination and hope in the present, it is possible to create new future-facing worlds and lives outside of preconceived models of existence.
In both Jamie Janković and Petra Szemán’s work, we enter into game-spaces and animated realms. In Janković’s work “A Woman on the Internet (or, The Eternal Scream)” this is a journey into how queer/trans players and travellers in games can find liberation; while Szemán’s interactive game The shape of worlds to come explores ways in which genderqueer/trans* desire might offer as yet-undefined future spaces of being. Drawing energy from the resistance inherent within queer identities, gnomad’s performance and installation for “Queer Horizons” finds within queer experience a site of liberation.
Tomorrow Girls Troop’s artist film in this show “Beyond Binary” documents a recorded performance where they travel to a mountain shrine in Japan that has an “Onna-zaka” (women’s path) and an “Otoko-zaka” (men’s path). Together with Tsukuru Fors, a transgender and nonbinary participant, they choose to take neither path and instead walk through the rocks, ferns and dense undergrowth to carve out a middle path between the men’s and women’s paths. This act of resistance poses questions to a society that continues to impose a gender binary and instead offers a vision for alternate ways for us to survive and shape our own futures in society today.
The works in Queer Horizons approach the subject from many differing perspectives, but in our view are all united in their desire to document and dissect alternative ways of being, the artists fixing their gaze on queerer realities that have not yet come to be. Through imagination and hope in the present, it is possible to create new future-facing worlds and lives outside of preconceived models of existence.
イベント/ Events:
パフォーマンス (ノマド）：
2月10日・2月11日（金・土 ~ 両日同時刻）
14時～14時40分 パフォーマンス
15時～16時 アーティスト・キュレーター質疑応答
料金：1000円（入場券を含みます・現地で支払い）
Performances (gnomad)
February 10th and February 11th (Fri and Sat - same times on both days)
14.00 ～14:40 Performance
15.00～16.00 Q&A with artist and curators
Fee: 1000円（includes regular entrance fee / pay in-person）
映画上映 + 討論 ：
明日少女隊 / 上映イベント「トランスについて学ぼう！」レクチャー動画＆対談
2月16日
14時 ～ 15 映画上映
15時～16時 討論
料金：1000円（入場券を含みます・現地で支払い）
パフォーマンス (ノマド）：
2月10日・2月11日（金・土 ~ 両日同時刻）
14時～14時40分 パフォーマンス
15時～16時 アーティスト・キュレーター質疑応答
料金：1000円（入場券を含みます・現地で支払い）
Performances (gnomad)
February 10th and February 11th (Fri and Sat - same times on both days)
14.00 ～14:40 Performance
15.00～16.00 Q&A with artist and curators
Fee: 1000円（includes regular entrance fee / pay in-person）
映画上映 + 討論 ：
明日少女隊 / 上映イベント「トランスについて学ぼう！」レクチャー動画＆対談
2月16日
14時 ～ 15 映画上映
15時～16時 討論
料金：1000円（入場券を含みます・現地で支払い）
上映イベントについて詳細情報はこちら。
Film Screenings + Discussion:
Tomorrow Girls Troop/ Screening Event "Let's learn about trans identity!" (Recorded lecture and discussion)
February 16th
14:00 ～ 15:00 Film screening
15:00 ～16:00 Discussion
Fee: 1000円（includes regular entrance fee / pay in-person）
For more information follow this link.
イベントにお越しくださった場合は常設展示を見るのは難しい可能性がございます。戻りたい方は無料で再入場できます。
When attending an event, it may be hard to see the regular exhibition, so you can re-enter for free at any other time as well.
イベントにお越しくださった場合は常設展示を見るのは難しい可能性がございます。戻りたい方は無料で再入場できます。
When attending an event, it may be hard to see the regular exhibition, so you can re-enter for free at any other time as well.
Japanese to English translations of the exhibition text by Catherine Harrington.
With thanks to Yume Morimoto for the English to Japanese translations.
With thanks to Yume Morimoto for the English to Japanese translations.
About Yume Morimoto:
Yume Morimoto is a queer translator, writer, and researcher working at the intersections of art, activism, and academia. She received her M.A. in Media and Language Analysis from International Christian University in 2021 and became a member of Art Translators Collective in the same year. In 2017, she launched B.G.U., a bilingual zine centered on queerness and intersectional feminism. Her recent projects include "Performing Translations: Exploring Feminist Theater Pedagogies" and interpreting for Tokyo Festival Farm Lab Exhibition performance, "What does it mean to be 'Queer' and 'Asian'?"
2021年国際基督教大学大学院メディアと言語の博士前期課程取得。芸術専門の通訳翻訳団体アートトランスレーターズコレクティブ所属。東京を拠点に日英の翻訳通訳をしながらジェンダーと表彰文化を中心に研究や執筆活動を行なっている。2017年にクィア性やインターセクショナルフェミニズムをテーマにした日英バイリンガルジンB.G.U.を自身で立ち上げ、現在も編集⻑として制作中。「フェミニスト的翻訳」の可能性を見出すアートプロジェクト『Performing Translations: Exploring Feminist Theater Pedagogies』を発表。 Farm Lab Exhibition プログラム作品『「クィア」で「アジア人」であることとは』の専属通訳を担当。活動の中では社会運動、アート、翻訳を繋げることに重きを置く。
We will also have copies of the BGU magazine in the exhibition space.
About B.G.U.:
B.G.U. is a queer, intersectional feminist FREE zine and collective that explores activism, art, and accessibility. Founded in 2017, B.G.U. is a ENG/JAP zine that speaks out against all forms of oppression and creates space for all queers.
B.G.U.はクィアで、インターセクショナル・フェミニストの無料ZINEと有志のコレクティブ。2017年に1号目を発行してから、日英バイリンガルの記事を通してアクティビズム、アート、アクセシブルをキーワードに活動を展開する。全てのクィアのために、全ての抑圧に反対し、声を上げ、スペースを創る。